Suspenso, acción o drama: el poder de la música en las películas

¿Cuántas veces has salido de ver una película con ese guayabo existencial típico de una historia que tal vez te hizo morir de risa o te sacó un par de lágrimas? Es que el cine es realmente apasionante, puede mover sentimientos, inspirarnos, aumentar nuestra capacidad para analizar o simplemente sacarnos de nuestra rutina para darnos un momento de diversión. Pero para llevarnos a todo tipo de sensaciones, el séptimo arte incluye en sus obras detalles técnicos y artísticos dignos de analizar, por eso en este artículo nos preguntamos ¿Qué pasaría si las películas no llevaran música?, y ¿cómo la industria del cine decidió un día incluir bandas sonoras en sus obras?

Para eso conversamos con el profesor Henry Acero del programa de Medios Audiovisuales, quien nos explicó el contexto y la actualidad de este tema. Cuando le preguntamos por qué estas dos artes son tan valiosas juntas, comentó: “La música al acompañar el cine desde sus inicios, hace parte del lenguaje cinematográfico. Está en su ADN. Así como los primeros planos o los planos generales hacen parte ineludible de este lenguaje; la música acompaña, potencializa, subraya, enfatiza, disminuye o contradice las emociones presentes o no en algunas partes de los relatos. Es inaudito pensar en una película sin música”.

¿Cómo llegó la música al séptimo arte?

El profesor Acero nos contó que las primeras obras cinematográficas eran acompañadas con melodías para mantener a la audiencia concentrada y evitar que fueran distraídos por el ruido tan fuerte que hacían los proyectores de la época. Sin embargo, esto fue evolucionando y para finales del siglo XIX y principios del siglo XX los dueños de las salas de exhibición habían descubierto el poder emocional, ambiental y narrativo que tenía la música, entonces, comenzaron a usar piezas de compositores como Beethoven, Chopin, Schubert o Wagner, entre otros, que encajaran mejor con las escenas que se iban desarrollando en la pantalla.

>> ¿Sabías que Wagner es considerado el abuelo de la música para cine, porque sus ideas compositivas para la ópera fueron tomadas años más tarde para crear la música de las películas de Hollywood?

Cuando el cine llegó a los grandes cinemas comenzó a acompañarse en vivo con pianistas, luego cuartetos de cuerdas y más adelante orquestas sinfónicas, “cada película era acompañada de unas obras previamente seleccionadas por el director; de esta forma, la misma película en cada uno de los teatros sonaba de una forma diferente. Es así como evolucionó la música en este periodo -sin sonidos- del cine”.

Y todo lo que ya te hemos mencionado pasó en lo que fue llamado el cine mudo; sin embargo, el profesor Henry nos contó cómo en 1927 la película “El cantante de Jazz” el actor Al Jolson mencionó las primeras líneas de diálogo y este hecho dio paso al cine sonoro, que asegura el profesor “mal llamado, porque el cine siempre ha estado acompañado de sonidos”, y a su vez, al sonido sincrónico, que él explica como “lo que pasa en pantalla sincronizado con acciones sonoras como diálogos, pasos, efectos, música, etc”. Para los años 30 se creó la técnica con la que se podía grabar por separado la película y colocarle después la música, lo que dio paso a composiciones exclusivamente para cine con su precursor: Max Steiner.

King Kong, por ejemplo, fue una de las primeras cintas con piezas musicales creadas por Max, “esta película rompe los esquemas hasta ese entonces de cómo usar la música en un audiovisual. Nace aquí realmente la música para cine… Luego de King Kong, Max Steiner siguió haciendo la música de muchas películas, incluyendo una de la más importantes de la historia del cine: Lo que el viento se llevó (1939). A partir de este momento, todos imitaban a Max Steiner”.

Después de Steiner se dan a conocer otros compositores como John Williams, quien devuelve a la pantalla el Leitmotiv, como ejemplo, piensa en la melodía de la película “Tiburón” que sonaba cada vez que alguien iba a ser atacado, fue él, el que también creó la música de Star Wars y es quien revive el gusto por la música orquestal que ya había sido desplazada por otros géneros musicales.

¿Cuáles son algunos de los compositores más reconocidos?

Quisimos saber más sobre algunos compositores que están detrás de los mejores soundtracks de películas y el profesor Acero nos contó:

“Los compositores para cine han sido numerosos y hoy en día con la democratización y las nuevas tecnologías para la creación musical, las listas se hacen cada vez más numerosas. Se me viene a la mente compositores como Alfred Newman (lo recordarán por la música del intro de 20 Century Fox), Bernard Herrmann (Psicosis), John Williams (Indiana Jones), Henry Mancini (La pantera rosa), Miklós Rózsa (Ben-Hur), James Horner (Titanic), Hans Zimmer (El caballero de la noche), Danny Elfman (tema principal de Los Simpson), Mark Mancina (Con Air), Jerry Goldsmith (Chinatown), Ennio Morricone (El Padrino, El Bueno El Malo y El Feo). La lista es interminable”.

Según recomendaciones de nuestro profesor, estas son las tres películas que debes ver si quieres entender la evolución de la música en el cine:

1. Lo que el viento se llevó (1939) - Max Steiner
2. Star Wars (1977) - John Williams
3. Forest Gump (1994) - Allan Silvestri

Estudiar un poco sobre cine

Los estudiantes de Medios Audiovisuales del Poli aprenden, asimilan y ponen en práctica los conceptos del énfasis en el medio que hayan escogido, entre las opciones están cine, fotografía, televisión y sonido. En el cine, aprenden a conceptualizar y crear, teniendo en cuenta el lenguaje cinematográfico. El profesor Henry explica que, con la ayuda de compositores u otros estudiantes del énfasis en sonido, crean la música de sus cortometrajes y le dan la originalidad que no podrían dar otras fuentes de música ya existentes.